Crítica: Cárcere ou porque as mulheres viram búfalos

A peça Cárcere ou Porque as Mulheres viram búfalos, da Companhia de Teatro Heliópolis, foi encenada entre os dias 21 e 23 de abril no SESC Interlagos. Trata-se de uma peça de teatro marginal, em que a marginalidade, partindo do conceito de Ferréz, escritor periférico, deve ser compreendida como “cultura da periferia feita por gente da periferia e ponto final.” (FERRÉZ, 2004, p.02). A temática central da peça é o movimento dialético entre mulheres e cárcere.

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A presença da dialética ocorre no próprio título da peça, onde a partícula “ou” não implica uma exclusão de um dos termos, mas a coexistência entre os elementos que media. A peça trabalha através de pares opostos, tais como o mundo masculino e o feminino, prisão e liberdade, cárcere e casa, entre outros. Esse movimento aparece no cenário, através da constante ressignificação de objetos utilizados nos diversos ambientes; na música, onde o tambor de religiões de matriz africana soa com o violino; no palco, que é o local de dança e atuação; na relação entre os personagens, de mundos opostos e ao mesmo tempo compartilhados; e no roteiro, que alterna entre monólogos e diálogos. Enquanto teatro marginal, pode-se dizer que o par sociedade/centro e margem/periferia, se forma através “[…] [d]o confronto, em lugar da conciliação; através da exposição da violência, em lugar de seu ocultamento” (ROCHA, 2006, p.23). Concluímos, assim, que o cárcere é o elemento mediador desses pares.

O roteiro, assinado por Dione Carlos em conjunto com a companhia, conta a história de duas irmãs, Maria dos Prazeres e Maria das Dores, cujo filho da última, Gabriel, é preso acusado do roubar um celular. A partir desse acontecimento, ocorre a cisão da peça para dois momentos que se alternam: a vida na prisão, do lado de Gabriel, e a busca por justiça da mãe e da tia do garoto do lado de fora. Em ambos os casos, o público vê os agentes envolvidos nos dois lados do encarceramento. O cárcere não é apenas um título, mas uma personagem imaterial que se dissolve simbolicamente nessas mulheres e materialmente na condição de Gabriel.

A peça não se constrói como uma narrativa de final feliz, tal como um conto infantil, nem tampouco apresenta uma saída para esse problema que atravessa historicamente o Brasil. Tal tema não permite a romantização da vida na prisão e seus desdobramentos, como se observa em alguns musicais. Ao contrário, cada cena impõe ao espectador o confronto com o senso comum, que passa a ser articulado a partir do ponto de vista apresentado na forma de monólogos por cada personagem que compõe o mundo prisional, quer seja o médico, o segurança, os próprios prisioneiros, entre outros tipos sociais.

A peça mostra, a partir do personagem Gabriel, que “a figura do criminoso abre um espaço para todo tipo de discriminação e reprovação, com total respaldo social para isso” (BORGES, 2019, p. 23), mesmo que, como descobrimos nos instantes finais da peça, tenhamos a confirmação de que o garoto não roubou o celular e que foi preso pelo simples fato de ser um garoto negro no local e hora errados. Existe, assim, uma denúncia explícita ao racismo.

Do lado de fora da prisão, ocorre um movimento similar: a mãe e a tia de Gabriel buscam modos de tirá-lo desse lugar e, enquanto isso, vamos descobrindo que na família delas, todos os homens possuem um histórico de encarceramento. Um dos grandes acertos da peça é mostrar como as mulheres negras se tornam o eixo de sustentação da família enquanto seus parentes masculinos estão presos. Tal ato concorda com a intelectual Vilma Reis, pois

Qualquer entendimento dos discursos de criminalização de jovens-homens-negros passa pela leitura do que se pensa na sociedade sobre mulheres negras, pois são a elas que se imputa a culpa pelo nascimento, em grande medida, a responsabilidade legal de uma geração, que o conservadorismo considera “indesejada”.

(REIS, 2015, p. 49)

As personagens Maria dos Prazeres e Maria das Dores têm plena consciência disso, de tal modo que a estrutura do roteiro as separa, onde Maria dos Prazeres, vivida por Dalma Régia, ganha mais destaque, confrontando o público com relatos sobre diversos temas, como a condição de esposas de homens envolvidos com crimes, da ausência de apoio do Estado, o tratamento dentro de comunidades, entre outros. Maria das Dores, mãe de Gabriel, vivida por Jucimara Canteiro, aparece um pouco menos, mas sempre que vem ao palco, conta sobre a sua luta pelo filho e cenas como a revista violenta que vivenciou na prisão, em que o bolo levado para comer com Gabriel foi estraçalhado pela polícia em busca de algo impróprio, ou ainda sobre a dificuldade financeira que passa a enfrentar em busca de advogados e de quaisquer outros meios que possam tornar a dura vida do garoto na prisão mais confortável, são apresentadas. A cena do relato da sua primeira consulta com a advogada é um quadro sensível, mas demonstra que

“A falta de acesso à justiça, a advogados e defensores com tempo e qualidade desse tempo para atendimento de vítimas, a moralidade, o tratamento desigual baseado no fenótipo, são todos indícios de que há, na verdade, uma constante insegurança sobre a garantia dos direitos no contato com esse sistema.”

(BORGES, 2019, p. 87)

As personagens, portanto, são sustentadas pela força e pela esperança, em um país que as violenta de diversas formas possíveis. Em síntese, a peça traz de maneira marcante a presença feminina e suas relações com a esfera do cárcere.

O trabalho da Companhia de Teatro de Heliópolis, na direção de Miguel Rocha, que inclusive ganhou o prêmio Shell na categoria Direção desse espetáculo, é primoroso ao abordar não um tema social abstrato, mas específico e bem localizado, o que é sentido na conexão do grupo no palco e nos diversos setores que compõe sua preparação. O trabalho é claramente coletivo e há a constante afirmação, por parte dos personagens, daquilo que se é, da afirmação de seus lugares sociais e do senso comunitário.

Se a catarse aristotélica faz o espectador sentir terror e piedade que seriam monstruosos se não fossem teatrais, o que causaria a emoção estética prazerosa, o grupo supera esse efeito, pois impõe ao espectador seu processo emancipatório, uma vez que é monstruoso porque é real. Sou inflexível ao afirmar que é impossível sair da peça sem se sentir positivamente incomodado e deslumbrado.

Embora eu tenha dado maior destaque à atuação dos protagonistas, cabe mencionar que o grupo em geral está de parabéns. Os monólogos que acontecem na prisão são todos muito bem encenados, assim como o relato do estupro sofrido pela prima de Gabriel, que chega a arrepiar os pelos e a acelerar o batimento cardíaco do público.

Em relação ao cenário, a cenografia de Eliseu Weide, a cenotecnia de Wanderley Silva e o trabalho de iluminação de Miguel Rocha e Toninho Rodrigues são um grande exemplo de como cenários simples podem ser muito bem utilizados com criatividade. Uma grande porta de correr ao fundo com uma pequena janela semelhante a uma grade, grades arrastáveis dispostas no palco e a alternância bem dirigida das cores e intensidades de luz foram o suficiente para levar o público aos diversos ambientes que a história nos conta.

O espaço alimenta insegurança, tensão, atenção direcionada, incômodo e aconchego visual, elementos esses que vão de encontro ao que a peça propõe. Como exemplo, a peça traz referências visuais ao massacre de Carandiru, o que vai sempre trazendo para o público um novo olhar para aquilo que já é conhecido. Dessa forma, a ambientação é surpreendente a cada momento do roteiro.

Outro fator que contribui para o movimento dialético da peça é a dança, recurso muito utilizado ao longo da apresentação. Ela possui influência de religiões de matriz africana, Umbanda e Candomblé, e é onde se vê mais claramente o “porque as mulheres viram búfalos”.

A peça começa tal como a abertura dos trabalhos dessas religiões, trazendo a orixá Iansã-Oyá, divindade concebida como guia dos mortos, mas retomada nessa história sobretudo como guerreira implacável e imponente, que dá força às mulheres e é reparadora das injustiças sofridas pela população negra. A divindade vestia a pele de búfalo, animal forte que alude à sua força.

É importante salientar que ocorre outra separação na peça: o mundo divino e o mundo humano. Eles não coexistem no palco e se relacionam pela dança, pela força e predominância femininas, mas sempre mediadas pela situação do encarceramento. A peça abre e finaliza com uma referência direta à orixá, mas os dois mundos são separados. Entretanto, ela define a coreografia e algumas músicas, além de articular no palco os corpos masculinos e femininos.

A dança é um elemento crucial na peça, pois através dela nós vemos os corpos em sincronia, o balanceamento com o mundo do drama e coloca em xeque a ideia de protagonismo, pois nos momentos em que ela surge, todo o elenco participa e o público sente estabelecido um vínculo. O ator que interpreta Gabriel, personagem-chave da peça, ganha mais presença de palco nos momentos da dança, por exemplo.

Em relação ao tempo da peça, achei muito longa, o que a tornou cansativa. Contudo, não há como negar que a grandiosidade temática e técnica que a peça possui não seria alcançada se ela fosse mais curta. Nesse sentido, após as duas horas em que seguimos a história, a pergunta que fica é: Acabamos de demonstrar que o sistema carcerário é frio, cruel, danoso e ineficaz. Vamos consertar isso quando?

Concluindo, faço coro a Juliana Borges (2019, p. 109) ao afirmar que “[…] discutir as condições de vida e de vulnerabilidade de nossas comunidades, de nossas mulheres mais invisibilizadas pelo sistema prisional deve ser um dever de nossas pautas mais importantes.” Além disso, torno a repetir que não há como sair da peça sem ter se transformado. O trabalho da Companhia de Teatro Heliópolis é excelente e espero vê-lo mais vezes.

REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

BORGES, Juliana. Encarceramento em massa. São Paulo: Pólen; Sueli Carneiro, 2019. 143 p. Coleção Feminismos Plurais.

FERRÉZ. “Contestação”. Caros amigos. “Literatura marginal.” Abril, 2004

REIS, Vilma. Atucaiados pelo Estado: as políticas de segurança pública implementadas nos bairros populares de salvador e suas representações de 1991 a 2001. 2015. 247 f. Dissertação (Mestrado) – Curso de Ciências Sociais, Faculdade de Filosofia e Ciências Humanas, Universidade Federal da Bahia, Salvador, 2015.

ROCHA, João César de Castro. A GUERRA DE RELATOS NO BRASIL CONTEMPORÂNEO. OU: “A DIALÉTICA DA MARGINALIDADE”. Letras, Santa Maria, v. 32, n. 1, p. 23-70, jan. 2006.

Crítica: Cárcere ou porque as mulheres viram búfalos

Sinopse

A peça conta a história de duas irmãs que têm a vida marcada pelo encarceramento dos homens da família: primeiro, o pai; depois, o companheiro de uma; agora o filho da outra. Dentro do presídio, o jovem Gabriel - que sonha em ser desenhista - aprende as estratégias de sobrevivência para resistir ao cárcere. Fora dali, em suas comunidades, as mulheres buscam alternativas para tentar romper os ciclos de opressão que as aprisionam em existências sem futuro.

Prós

Excelente roteiro

Ótimas coreografias

Cenário bem articulado

Iluminação bem trabalhada

Tema muito bem desenvolvido

Contras

Peça cansativa

5

Nota

Imagens