Denis Villeneuve expande o universo criado por Ridley Scott em uma ficção científica contemplativa, visualmente arrebatadora e marcada por dilemas sobre memória, identidade e humanidade
Antes de “Blade Runner 2049” existir, em 1982, o diretor Ridley Scott trouxe para as telas dos cinemas uma ficção científica que acabaria entrando para a história. Inspirado na obra “Do Androids Dream of Electric Sheep?”, escrita por Philip K. Dick, então ainda pouco conhecido em Hollywood, o filme “Blade Runner, o Caçador de Androides” chegou a ser contestado na época devido à sua complexidade, ao seu ritmo bastante diferenciado e ao seu aspecto sombrio e catastrófico. Contudo, ganhou popularidade e a devida atenção com o passar dos anos, figurando atualmente como um dos filmes mais bem realizados de todos os tempos.
Desde o seu lançamento, uma sequência vinha sendo planejada, mas muitos projetos foram engavetados, assim como a presença de diretores renomados. Até que, em 2015, de forma oficial, uma continuação começou a ser desenvolvida, despertando novamente a atenção dos fãs. Dois anos depois, enfim, chegou aos cinemas o aguardado “Blade Runner 2049”, trazendo uma história consistente que não fica devendo muito ao seu original.
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O universo sombrio de “Blade Runner 2049”
O enredo mantém a premissa de um mundo futurista completamente destruído e tomado por tecnologias de ponta. Nesse contexto, somos apresentados a K, um replicante Blade Runner incumbido de caçar e aposentar androides foragidos. Entretanto, durante uma de suas missões, ele acaba se deparando com respostas que desencadeiam memórias antes suprimidas, colocando-o em uma situação perigosa, duvidosa e cada vez mais existencial.
Uma produção requintada, com Ridley Scott entre os produtores executivos e outros importantes nomes da indústria envolvidos, permite ao público reencontrar esse fabuloso e irônico universo futurista, criado de forma pretensiosa como uma espécie de crítica às mazelas da sociedade. Sem perder a essência de seu antecessor, o filme faz a cidade surgir com efeitos impactantes, que saltam aos olhos ao se apoiar em possíveis avanços tecnológicos e em novos e intrigantes ambientes.
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Escrito por Hampton Fancher e Michael Green, o roteiro não abusa dos diálogos. Em vez disso, opta por um aspecto mais existencialista, embutido na já utilizada linguagem do cinema noir. Sem falar que emula outros pontos importantes que fizeram de “Blade Runner” um clássico com o passar dos anos. Repleta de analogias e simbolismos que aprofundam ainda mais a narrativa, criando metáforas tão significativas quanto suas paranoias e reflexões, a trama submete o público a uma viagem transformadora e introspectiva em busca da verdade.
Mesmo com os roteiristas tentando evocar certa originalidade nesse ponto, priorizando uma estrutura mais dramática, uma simples desconstrução do roteiro entrega os já famosos arquétipos usados por seu antecessor: a femme fatale que encanta a cada cena, o herói que sofre com conflitos de moralidade que o dilaceram constantemente e os diversos discursos filosóficos que implicam, de forma sutil, a sociedade e algumas de suas características. Um ponto negativo aqui é a necessidade de uma reviravolta genérica que poderia receber outro tratamento.
Denis Villeneuve reconstrói a distopia cyberpunk
E nada melhor do que a direção paciente e precisa de Denis Villeneuve para reconstituir essa distopia cyberpunk repleta de incertezas e questionamentos sobre a humanidade, ou o que sobrou dela. O diretor explora suas sequências com harmonia, combinando cores, planos e sons com uma sutileza ímpar. Se em “A Chegada” ele impressionou com o uso do som, aqui hipnotiza pelo visual estonteante.
O equilíbrio entre os grandes planos abertos e os suaves movimentos de câmera, bem como as angulações específicas que ganham destaque no decorrer da projeção, permite ao espectador viver um mix de sensações que vão da grandiosidade ao afastamento emocional em questão de segundos. E, nesse meio tempo, a aproximação acaba sendo inevitável e bastante importante tanto para o filme quanto para quem está assistindo.
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A fotografia de Roger Deakins mantém a atmosfera melancólica da deprimente Los Angeles do futuro, mesmo 30 anos depois. O perfeito equilíbrio entre o psicológico e o emocional, destacado pela transição das paletas de tons escuros, que permitem um visual deprimente, às cores quentes que invadem certos cenários e fornecem um suspiro de esperança ao ambiente sombrio, toma facilmente a atenção do público, que se envolve ainda mais com as cenas.
De forma marcante, somos bombardeados por luzes e cores que penetram a mente em meio à sombria e decadente cidade revivida pelo excelente design de produção.
Memória, humanidade e solidão artificialO elenco funciona em todos os momentos, mesmo que algumas atuações soem repetitivas e possamos sentir falta de algo mais memorável. Ryan Gosling encabeça o filme como K, apoiando-se em uma interpretação mecânica com resquícios de naturalidade, algo próximo ao que já vimos em “Drive”. Harrison Ford retorna como Rick Deckard e prova ainda mais que sua atuação melhora com o passar dos anos.
Robin Wright vive a tenente Joshi e, mais uma vez, está bem em cena, embora não seja difícil encontrar uma Claire Underwood por baixo das feições usadas por ela. Jared Leto aparece em uma pequena participação e não convence muito, independentemente de seus famosos métodos de atuação. O contrário acontece com Ana de Armas, que está muito bem como Joi, e Sylvia Hoeks, que ganha destaque com uma construção séria e apropriada, meticulosamente delineada por notáveis expressões, para a antagonista Luv.
Memória, humanidade e solidão artificial
Dentro desse conjunto, a relação entre K e Joi merece atenção especial. A personagem de Ana de Armas funciona como uma das grandes provocações emocionais do filme, justamente por ampliar a dúvida sobre o que pode ser considerado real em um mundo onde até o afeto parece programado. A dinâmica entre os dois traz delicadeza a uma narrativa marcada por frieza visual e reforça a solidão de K, que busca sentido em uma existência fabricada, mas sente como alguém que deseja pertencer a algo maior.
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A força final de “Blade Runner 2049” também está em sua pós-produção, que transforma técnica em pensamento. A edição paciente respeita o peso dos silêncios, a correção de cor amplia a sensação de decadência e os efeitos visuais nunca aparecem como enfeite gratuito. Tudo parece existir para reforçar a mesma pergunta que move a saga desde 1982: o que, afinal, torna alguém humano?
Memória, desejo, dor, culpa, afeto e livre-arbítrio se misturam em uma estética fria, quase clínica, mas carregada de melancolia. A trilha sonora, mais pesada e menos hipnótica que a original, trabalha junto ao design de som para criar uma experiência física, como se cada nota e cada vibração lembrassem que aquele futuro não é distante o bastante para ser confortável.
Com isso, “Blade Runner 2049” se afirma como uma continuação rara: respeita o clássico sem viver presa a ele. O filme pode causar afastamento ou até ser considerado cansativo por parte do público, como aconteceu com o primeiro, mas sua grandeza está justamente na coragem de ser contemplativo, filosófico e visualmente arrebatador em uma época tão obcecada por respostas rápidas. É uma obra-prima moderna, construída para permanecer na memória, provocar reflexão e reafirmar que a ficção científica ainda é um dos caminhos mais poderosos para falar sobre humanidade.
Imagem: Divulgação/Sony Pictures
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